影視制作要學哪些東西
摘要
影視制作不是“會用剪輯軟件就行”的簡單活兒，它是個從創意到落地的完整鏈條——從前期的故事構思、預算規劃，到中期的鏡頭拍攝、現場調度，再到后期的剪輯調色、特效合成，每個環節都藏著“專業門檻”。今天這篇文章，就把影視制作拆成“前期策劃-中期拍攝-后期制作”三大階段，每個階段該學什么核心技能、用什么工具、避什么坑，結合真實案例和學習方法講清楚，幫你從“門外漢”到“能上手”，少走3年彎路。
一、先搞懂影視制作的“骨架”：完整流程拆解
很多人想學影視制作，一上來就問“學Pr還是AE”，其實這是典型的“抓小放大”。影視制作就像蓋房子，得先知道“地基-框架-裝修”的順序，不然學了一堆軟件也不知道怎么用。
完整的影視制作流程分三步：
前期策劃（蓋房子前的“圖紙設計”）：確定故事主題、寫劇本、畫分鏡頭、定預算、找團隊、選場地道具；
中期拍攝（按圖紙“施工”）：攝影、燈光、錄音、演員調度、現場執行；
后期制作（裝修+軟裝）：素材整理、剪輯、調色、配樂、特效、字幕、輸出成片。
舉個例子：去年爆火的短片《逃出大英博物館》，看似簡單，其實前期光劇本就改了12版，分鏡頭畫了87張；中期拍攝時，為了拍好“玉壺流淚”的特寫，攝影師蹲在地上調了40分鐘角度；后期調色特意壓低了藍色飽和度，讓畫面更有“文物的滄桑感”。每個環節都缺一不可，少一步，成片效果就會打折扣。
二、前期策劃：別讓你的創意“胎死腹中”
前期是“定方向”的階段，方向錯了，后面拍得再好也白費。這階段要學3個核心技能：
1. 劇本寫作：故事是影視的“靈魂”
不管是電影、短劇還是廣告，本質都是“講好一個故事”。學劇本寫作，不用一開始就追求“文學性”，先掌握最基礎的“故事結構”：
三幕式結構：開頭（建立人物和沖突）、發展（沖突升級）、結尾（解決沖突）。比如《哪吒之魔童降世》，開頭講哪吒“魔丸轉世被嫌棄”（沖突），中間學法術對抗偏見（升級），最后救敖丙打破天命（解決），就是典型的三幕式。
人物弧光：主角要有“變化”。比如《狂飆》里的高啟強，從魚販到黑老大，性格和行為的轉變就是“弧光”，沒有弧光的人物會很扁平。
學習方法：先模仿！找10部你喜歡的短片，把臺詞、場景、人物動作一句句抄下來，分析“這段戲為什么這么寫”。推薦入門書《故事》（羅伯特·麥基），別看厚，先啃前3章“結構”部分就夠用。
2. 分鏡頭腳本：把文字“畫”成鏡頭
劇本是“文字故事”，分鏡頭腳本是“視覺故事”——告訴團隊“每個鏡頭拍什么、怎么拍”。不會畫畫沒關系，用手機拍照片拼貼也行，關鍵要寫清楚：
鏡號：第幾個鏡頭；
景別：遠、全、中、近、特（比如拍人物對話用“中景”，拍表情用“特寫”）；
拍攝手法：推、拉、搖、移、跟（比如《開端》里公交車爆炸前的“手持搖晃鏡頭”，就是為了制造緊張感）；
內容描述：畫面里有什么（人物動作、環境），聲音是什么（臺詞、音效）。
案例：我帶過一個新人，第一次拍廣告沒畫分鏡頭，到了現場對著劇本發呆：“這個場景該用全景還是中景？”結果耽誤了2小時拍攝時間。后來他每次寫劇本后，都用PPT畫分鏡頭，效率直接提升50%。
3. 預算與統籌：別讓項目“爛尾”
很多人覺得“預算是制片人管的，我學創作不用管”，大錯特錯！哪怕是拍個3分鐘的短片，也要算清楚：設備租金（相機、燈光）、場地費、演員費、后期剪輯費……不然拍到一半沒錢了，只能“爛尾”。
新手預算公式：總預算=（設備+場地+人員）×1.2（多留20%備用金，以防突發情況，比如下雨耽誤拍攝）。
統籌表：用Excel做個“拍攝日程表”，寫清楚每天拍哪幾場戲、幾點到幾點、誰負責什么（攝影、燈光、錄音），避免現場混亂。
三、中期拍攝：鏡頭里藏著“講故事的密碼”
中期是“把想法落地”的階段，核心是“用鏡頭說話”。很多人覺得“拍視頻就是按快門”，其實攝影、燈光、錄音，每個細節都影響畫面質感。
1. 攝影：構圖比“設備好壞”更重要
別迷信“買了RED相機就能拍好片”，手機也能拍出優質鏡頭（比如《啥是佩奇》就是用手機拍的部分素材）。新手先學3個基礎構圖：
三分法構圖：把畫面用兩條橫線、兩條豎線分成9格，人物或主體放在交叉點上（比如拍人物近景，眼睛放在上交叉點，更符合視覺習慣）；
引導線構圖：用道路、欄桿等“線條”引導觀眾視線到主體（比如《阿甘正傳》里阿甘跑步的鏡頭，用公路做引導線，突出他的孤獨和堅持）；
對稱構圖：左右或上下對稱（比如《布達佩斯大飯店》的大量對稱鏡頭，顯得工整又荒誕）。
實操建議：每天用手機拍3張照片，刻意練習一種構圖，堅持1個月，你會發現“看世界的眼光都變了”。
2. 燈光：沒有“好光”，畫面就沒“情緒”
“電影是光的藝術”，燈光不僅是“照亮”，更是“塑造情緒”。比如拍恐怖場景，用“頂光”（光從頭頂打下來）會讓人臉陰影很重，顯得陰森；拍浪漫場景，用“側逆光”（光從人物側后方打）會有“輪廓光”，顯得溫柔。
新手入門先掌握“三點布光法”：
主光：照亮主體的主要光源（比如人物正面45角的燈）；
補光：減弱主光的陰影（比如人物另一側的弱光燈）；
輪廓光：勾勒主體邊緣（比如人物后方的燈，避免和背景“融”在一起）。
低成本方案：沒專業燈光？用臺燈+白紙（柔光）、手電筒（硬光），甚至窗外的自然光，關鍵是“控制光影對比”。
3. 錄音：“聽不清”的片子，拍再好也白費
觀眾對“畫面模糊”的容忍度遠高于“聲音嘈雜”。很多新人拍視頻只關注畫面，忽略錄音，結果成片“人聲聽不清，背景噪音比臺詞還大”。
必學錄音技巧：
遠離噪音源：拍室外戲，別站在馬路邊、空調外機旁；
用外接麥克風：手機/相機自帶麥克風收音差，花200塊買個“領夾麥”（夾在人物領口），收音效果提升10倍；
錄“環境音”：拍攝間隙，單獨錄30秒現場環境音（比如咖啡館的背景聲），后期剪輯時填補“聲音空白”，畫面更自然。
四、后期制作：讓素材“活”起來的魔法
后期是“給素材第二次生命”，剪輯、調色、特效，每一步都是“重塑故事”。新手常犯的錯是“學了一堆軟件，卻剪不出流暢的片子”，其實后期的核心是“邏輯”，不是“技術”。
1. 剪輯：“減法藝術”，剪掉“廢話”
剪輯的本質是“選擇和排序”：從幾百個鏡頭里挑出最好的，按故事邏輯拼接。新手最容易犯“舍不得刪鏡頭”的錯，覺得“這個鏡頭拍了3小時，一定要用上”，結果片子拖沓。
剪輯三原則：
動接動，靜接靜：運動鏡頭（比如推鏡頭）接運動鏡頭，固定鏡頭接固定鏡頭，畫面更流暢（比如人物走路的“跟鏡頭”，接下一個走路的“跟鏡頭”，比接一個固定鏡頭自然）；
跳軸要謹慎：拍對話時，人物在畫面左側，下一個鏡頭別突然跑到右側（會讓觀眾“跳戲”），除非用“中性鏡頭”（比如空鏡）過渡；
節奏跟著情緒走：緊張的戲（比如追逐）用短鏡頭（每個鏡頭1-2秒），抒情的戲用長鏡頭（5秒以上）。
軟件選擇：新手先學Premiere Pro（簡稱Pr），功能全、教程多，別一開始就折騰AE、DaVinci，把Pr的“剃刀工具”“關鍵幀”“轉場”吃透，足夠剪90%的片子。
2. 調色：讓畫面“有風格”，不是“越亮越好”
調色不是“把畫面調得好看”，而是“匹配故事情緒”。比如拍青春片，用“高飽和、低對比度”，畫面清新；拍犯罪片，用“低飽和、藍綠色調”，畫面壓抑。
新手調色步驟：
1. 校色：先把畫面調“正常”（白平衡準確，曝光不過曝、不欠曝）；
2. 風格化：用“LUT預設”（相當于濾鏡，但更專業）定基調，再微調飽和度、對比度（推薦DaVinci Resolve，免費版功能足夠用）。
避坑提醒：別過度調色！我見過新人把皮膚調成“慘白”“橘紅”，反而違和，自然的色彩比“網紅濾鏡”更耐看。
3. 特效與包裝：“錦上添花”，別“畫蛇添足”
除非你做科幻片、奇幻片，否則特效不是必須的。新手別沉迷“學AE做粒子特效”，先把“字幕、配樂、音效”做好：
字幕：字體選“無襯線體”（比如微軟雅黑），字號別太小（手機觀看至少24號字），顏色和背景對比要明顯；
配樂：去“網易云音樂-歌單-影視配樂”找素材，注意“版權”（商用要買版權，非商用可用CC0協議的免費音樂）；
音效：腳步聲、開門聲、環境音，去“愛給網”“耳聆網”下載，好的音效能讓畫面“立起來”（比如拍關門戲，加個“砰”的音效，比光有畫面沖擊力強10倍）。
五、最后說句大實話：別做“理論巨人，實踐矮子”
影視制作是“動手行業”，學100本書、看1000個教程，不如自己拍一個3分鐘短片。我帶過的實習生里，進步最快的那個，不是專業最好的，而是第一個拿著自己拍的“爛片”來問我“哪里能改”的人。
剛開始別怕“拍得爛”，把每個作品當成“試錯機會”：第一次拍不好構圖，第二次就刻意練；第一次錄音有噪音，下次就記得帶麥克風。影視制作沒有“完美起點”，但有“開始”和“不開始”的區別——現在拿起手機，拍一段你家窗外的風景，試著用三分法構圖，剪一個10秒的小視頻，這就是你入行的第一步。
（本文內容基于行業通用流程和技能整理，具體工具版本、行業標準以官方最新信息為準）
尊重原創文章，轉載請注明出處與鏈接：http://www.abtbt.com.cn/jsjzx/Graphic_Design/673955.html，違者必究！
